Disque M para Matar - Alfred Hitchcock

Texto por Luiz Romano Locali

Dia 13 último foi aniversário de Grace Kelly, princesa de Mônaco e musa de Alfred Hitchcock. Na realidade SE ela estivesse viva, estaria completando 77 anos de idade. Por esse motivo decidi falar brevemente de um filme tanto de Kelly quanto de Hitchcock: “Dial M for Murder” (Disque M para Matar, em português), de 1954.

Infelizmente eu tive o prazer de conhecer essa obra prima do suspense hitchcockiano, pré-“Psycho” (Psicose), na versão dublada, em uma dessas sessões raras de bons filmes que o SBT ainda passa nas madrugadas de domingo.

Uma Grace Kelly incrivelmente linda protagoniza a história de uma dama rica da sociedade inglesa que, casada com um ex-jogador de tênis profissional, está apaixonada por um escritor norte-americano com o qual teve um affair no passado.

O marido Tony Wendice, interpretado de maneira muito convincente por Ray Milland, é um homem que precisa viver sob a sombra e o dinheiro da mulher e, quando descobre o caso dela com Mark Halliday (Robert Cummings), decide tomar uma atitude drástica.

A partir daí o enredo é claro e pode iludir o expectador menos atento. Um crime acontece e você sabe perfeitamente como ele aconteceu. Um plano típico dos vilões de Agatha Christie, uma mocinha em apuros, um suspeito, uma morte. Só que o suspense de Hitchcock não está nesse crime, mas em SE e COMO ele será solucionado.

É fácil se apegar a uma imagem de perfeição como a da beleza de Grace Kelly; e a sua personagem, Margot Wendice, é frágil e cativante. Combinação que o diretor utiliza magistralmente. Há também o elemento de humor leve simbolizado pelo personagem do veterano John Willians (não o compositor), o inspetor-chefe Hubbard; ele é praticamente o policial inglês caricato e como em um bom romance policial com um oficial inglês, ele se sente “inclinado” às mulheres bonitas.

É um ótimo Hitchcock, mas não o melhor. Em todo caso prenuncia bem a atuação de Kelly em “Rear Window” (Janela Indiscreta), também produzido em 1954.

V for Vendetta - Filme - Irmãos Wachowski

Mr Creedy - Die, Die, Why won´t you die ? Why won´t you Die ?
V - Beath this mask, there´s more than flesh, beneath this mask there´s an idea Mr Creedy, and ideas are bulletproof

Não conhecia a hq de Alan More admito. Sei que fiz o caminho incorreto ao assistir primeiro a adaptação sem saber exatamente o que estava sendo adaptado, mas de certa forma meu senso de julgamento tinha contra os irmãos Wachowski um certo ressentimento e desesperança, pelos decepcionantes Matrix Reloaded e Matrix Revolutions, o que me condicionava a já assistir o filme esperando que o mesmo fosse inferior a obra original.

Depois de entregar a instigante história de Neo, em uma revolução de movimentos de câmera com um roteiro de psicanálise profunda, os irmãos de nome estranho tinham em suas mãos o poder para mudar o rumo da ficção científica e jogaram tudo no buraco; ao apostar em seqüências cheias de ação, cenas espantosas efeitos excepcionais e pouco cérebro os Wachowskis não pareciam a opção mais indicada para adaptar V de Vingança.

Eu imaginava que eles se dariam bem com franquias de heróis de mais ação como a própria Liga Extraordinária, também de Alan More, o que permitiria um número maior de malabarismos e estripulias da câmera imprevisível dos irmãos, mas sinceramente...

fiquei com certo receio ao saber que uma graphic novel psicológica como V for Vendetta seria conduzida por diretores que podiam a qualquer momento se render ao apelo estético de tornar o terrorista título da hq em uma máquina de matar com armas brancas e muita coreografia em câmera lenta.

Ainda bem que estava errado. Na verdade errei feio.

O filme é todo conduzido pelo par de personagens centrais literalmente encarnados por Natalie Portman como a confusa Evey e Hugo Weaving, atrás da máscara de Guy Falkes que nunca sai do rosto do terrorista V. A história e a ideologia do filme já foram discutidas aqui, mas o que me chamou a atenção na adaptação ao cinema é o quanto a obra se manteve fiel a idéia de sua gênese; do começo ao fim o que vemos é o lado dos terroristas e suas motivações, sem politicagens e discursos de direita, o anarquismo de V parte do princípio que o poder do povo deve brotar da revolução, mesmo que a revolução comece do caos.

A câmera e a direção foram seguras durante todo o filme, entregando boas cenas de ação em tomadas rápidas e cortes secos, guardando para o clímax e somente para esse momento as câmeras lentas que se tornaram ícone do cinema pós Matrix.

Em um mundo onde Bin Laden é uma espécie de Fawkes moderno ainda em liberdade é gratificante ver uma obra polêmica como V for Vendetta chegar ao público com sua alma incólume de maiores censuras, não sei de vocês mas depois de assistir ao filme eu quis desesperadamente comprar uma máscara de Fawkes , da mesma forma que após assistir Clube da Luta pela primeira vez eu me interessei pelo mote “ use sabonete”. Lógico que ninguém vai sair por aí fabricando nitroglicerina no quintal de casa para explodir o senado, mas em uma realidade de tantos desgostos políticos o máximo que podemos fazer é torcer, mesmo que baixinho, para os anti-heróis do nosso tempo, por mais subversivo que isso possa parecer.

ATENÇÃO: Abaixo encontrei no youtube a cena final de V for Vendetta, o clímax onde os Wachowski finalmente usam suas câmeras lentas a lá matrix para conduzir a ação, portanto se você não assistiu não aperte o play. Decidi colocar a cena aqui porque ela é muito boa e todo mundo que já assistiu ao filme com certeza gostaria de revê-la.

Acid Jazz

Texto por Luiz Romano Locali

Sempre fui um amante do jazz clássico: Ella Fitzgerald, Louis Armstrong... Mas com o tempo fui assimilando um jazz muito mais complexo, como o swing de Ellington e o bebop do sax de Charles Parker e do trompete de Dizzie Gillespie.

O prazer de ouvir um Miles Davis, um John Coltrane, um Chet Baker, só fizeram com que eu me apegasse ainda mais ao estilo brilhante que é o Jazz e todos os seus filhos.

Hoje em dia acabei por descobrir o Acid Jazz. E esse é o motivo de estarmos aqui.

O que é o Acid Jazz? Ele é uma vertente muito atual e usa desde batidas do hip-hop até elementos do funk da década de 1970, passando inclusive pelo rap. Ele é essencialmente uma música negra. Ainda tem influências do soul e logicamente do jazz sendo que, atualmente, até o samba é incorporado por alguns conjuntos. Outro ponto importante é que o som do Acid é mais vibrante e dançante.

Os temas são geralmente amorosos, mas há casos de letras com um cerne político e contestatório forte, mostrando claramente as origens no funk e hip-hop. Porém, a batida e a melodia podem preencher uma canção inteira e te fazerem sentir o jazz fluir sem precisar de uma palavra.

Admito que não levava a sério o hip-hop ou o funk (o brasileiro continuo não levando), mas conhecer o Acid Jazz está mudando minha opinião a respeito.

Para quem quiser conhecer o estilo, recomendo o álbum Schizophonic, do Us3. Mas aviso que o som não é dos mais fáceis e cativantes. Acredito que ter chegado ao Acid foi uma evolução e talvez seja sim interessante conhecer algo do clássico para se chegar a essa vertente tão moderna e atual do jazz.

Bom proveito aos “jazzeiros” de plantão.

Conheça o Us3 e o album Schizophonic aqui

O Dia o Curinga - Jostein Gaardner

" - Quem sou eu? , continuou ele. Por que sou um curinga? De onde venho e para onde vou? Decidi arriscar tudo numa única cartada. Voce viu todas as plantas que plantei nessa ilha, comecei. O que você diria se eu te contasse que fui eu quem criou você e também todos os outros anões do povoado?
- Nesse caso eu não teria escolha, caro Mestre. Eu teria de tentar matá-lo para recuperar minha dignidade"

"- A paciência é uma maldição de família. Há sempre um curinga que não se deixa iludir. Quem quer entender o destino, tem que sobreviver a ele.....No caso do curinga é diferente, pois ele veio ao mundo com o defeito de ver coisas demais e de ver todas elas em profundidade!"

Jostein Gaardner ficou aclamado mundialmente como o autor de “ O Mundo de Sofia”, como um jovem e talentoso escritor que transmite filosofia a crianças e adolescentes através de historias muito bem contadas, mas não se deixe enganar por esse norueguês de fala fina e literatura ágil. Ele é um Coringa.

O Dia do Coringa parte de uma premissa semelhante à de O Mundo de Sofia. O menino Hans Thomas sai em viagem pela Europa com o pai atrás da mãe que os abandonou há oito anos para ser modelo na Grécia; o pai de Thomas é um filosofo amador com problemas de alcoolismo que coleciona cartas de curinga e que durante toda a viagem incentiva o menino a pensar nas grandes perguntas da vida. Até esse momento o livro pode ser encarado como um divertido “road book” que explora a relação de pai e filho atrás da mulher que os abandonou, mas a guinada acontece quando misteriosamente o garoto recebe um pão com um livro em miniatura e uma lupa para lê-lo, nesse momento as narrativas se dividem, contando hora a trajetória de Thomas e seu pai até a Grécia e hora a história do livro dentro do livro. O pequeno livro conta uma fábula que envolve segredos matemáticos, anões, uma ilha misteriosa e uma bebida mágica de cor púrpura.

E é nos detalhes que Gaardner ganha o leitor. Tudo tem relação em sua obra, tudo é uma citação implícita ou explicita a pontos e pensamentos-chave da teologia e da filosofia, para isso o autor abusa da magia e do fascínio do baralho sobre nós. Os capítulos são os nomes das cartas sendo 53 no total, um para cada carta e um para o Curinga. No pequeno livro a fábula apresentada é sim educativa, mas passa longe de ser infantil, a sociedade que vive na ilha é composta de anões cada um representando uma carta de baralho, e com exceção do curinga, todos são alienados e não sabem o motivo de sua existência e nem buscam saber, quase um Mito da Caverna moderno. A bebida mágica de cor púrpura é deliciosa e causa uma ampliação dos sentidos e um vício quase que imediato ao mesmo tempo que destrói a consciência de quem as bebe. É dessa forma através de charadas matemáticas, sugestões e citações que Gardner explora alienação social, vícios e virtudes, existencialismo e religião para nos entregar um delicioso livro que parece um misto de “Platão, Aristóteles and Friends” com Alice no País das Maravilhas.

Para Gaardner ser um Curinga é enxergar aquilo que ninguém enxerga e perguntar aquilo que ninguém pergunta por não existir uma resposta empírica; a magia está no caminho entre a pergunta e a resposta. Nem na partida, nem na chegada, no caminho

Bibliografia do Autor aqui

A Caverna - José Saramago

"Não fui desses gênios que, aos 4 anos de idade, escrevem histórias. Apenas via as coisas do mundo e gostava de vê-las., Nunca fui de grandes imaginações. Eu não me interessava por fantasias, mas pelo que ocorria. A imaginação, o que dizer a respeito dela? Meus livros estão aí para provar que a tenho. Mas é uma imaginação que está sempre a serviço da razão. Meus livros se caracterizam por uma imaginação forte, mas sempre usada de forma racional. Posso formular assim: a imaginação é o ponto de partida, mas o caminho a partir daí pertence à razão."




Saramago, mudanças e uma flor silvestre - Texto por Luiz Romano Locali

“Uma florzinha silvestre que nasce dos escombros”, explica José Saramago sobre o significado de seu sobrenome.
E seria um comentário bastante plausível também para o sentido que vejo em uma de suas obras que particularmente mais gosto: “A Caverna”.
Os escombros são as mudanças que acontecem ao longo dos nossos dias, e a “florzinha” que sobrevive em meio a destruição nada mais é do que o símbolo de superar e se adaptar a uma nova condição. É ao redor disso que gira a história criada pelo português José Saramago nesse primeiro romance pós-Nobel. Mesmo assim, o escritor nega um caráter ideológico ao romance, apenas afirma que a obra faz com que pensemos para onde vamos.
Para começar, tem que se ter em mente alguns aspectos. Se você resolver ler esse livro, não espere encontrar referências como cidades, países. Há a cidade, e há o interior, e nenhum deles tem nome. Há uma grande loja de departamentos, o Centro Comercial. E apenas os personagens principais têm o privilégio de uma alcunha; o restante é um elenco de tipos sociais, como o chefe de departamento e o gerente do Centro.
O mundo está em constante mudança e os avanços do fim do século XX acabaram forçando transformações na vida de milhões de pessoas. O viúvo Cipriano Algor não é uma exceção; oleiro cuja visão não vai além do seu grande forno e dos vales por onde passa quando entrega seus pratos e tigelas no Centro Comercial, é pego de surpresa quando o plástico substituiu seus utensílios de barro. Está desenhado o hospedeiro perfeito para uma crise existencial entre os valores capitalistas e as verdades simples e diretas do campo.
Ainda há Marta e Marçal, respectivamente filha e genro de Cipriano. Ela mora com o pai e é uma mulher que não se deixa abalar facilmente, raciocinando sempre de modo a superar os problemas, buscando o passo além. Marçal, ao contrário, acredita ser sábio e em que a solução para os problemas do casal (e do sogro) é a mudança da família para o Centro Comercial, pois seu emprego de segurança lhe garantia um apartamento dentro das dependências do Centro.
O tempo todo há essa balança oscilando entre o vazio causado pela não mais existência do mundo que Cipriano conhecia (sua profissão de oleiro), e a convicção de seu genro de que não há sentido em viver longe do conforto e das facilidades da vida moderna. A seu modo, cada um teme as mudanças e preferiria que o mundo continuasse como eles o conhecem.
Marta nesse aspecto funciona como grande contraponto e como elo de ligação entre a apatia pós-mudança e a reação. É ela que preserva a “florzinha silvestre que nasce dos escombros”.
Ao longo da narrativa ainda surgem o cão Achado – “o mais humano dos cães” – e a viúva Isaura. Os dois elementos são importantes pois vão dar o toque de doçura e leve romantismo que deixa a obra deliciosa. Passagens como as conversas de Cipriano com Achado são verdadeiras lições de vida.
O final do livro é surpreendente e o enredo é a discussão do que podemos fazer quando a vida nos impõe algo, ou para onde vamos no momento de crise.
Enfim, Saramago tem essa característica: apesar dos temas serem extremamente sérios, os seus textos têm uma leveza impressionante. Mas atentem: me refiro a uma leveza no trato e na construção das orações, fazendo o leitor digredir e amenizando assim a seriedade dos assuntos. Porém, para alguns leitores isso incomoda e pode ser uma dificuldade. O jeito como ele insere os diálogos também é peculiar e não há travessões ou aspas, as falas estão no texto diferenciadas apenas por uma letra maiúscula.
De qualquer modo, é uma boa leitura e depois que nos acostumamos com a maneira dele escrever, tudo fica mais fácil. Recomendo também “Ensaio sobre a Cegueira” e “Intermitências da Morte”.



Bibliografia do Autor Aqui

V for Vendetta - Alan Moore

"Remember, remember, the fifth of
November, the gunpowder treason and
plot. I know of now reason why the
gunpowder treason should ever be
forgot."

5 de novembro. Em 1605, Guy Fawkes, o mais próximo de um terrorista que sua época pôde gerar, comanda um atentado contra o parlamento britânico, tentando não só colocar o prédio abaixo mas também assassinar o Rei James I. A escolha do Parlamento ingles não foi aleatória, símbolo da força política da época o que iria abaixo naquela noite seria mais do que um prédio, mas segundo a ideologia libertária de Fawkes, a queda do parlamento significava a ascensão do povo ao poder .O plano falhou e o terrorista foi julgado, torturado e enforcado como exemplo, mas as idéias são a prova de forcas também.
A HQ de Alan Moore (História) e David Lloyd (arte) lançada em 1989, parte da noite que ficou conhecida como a Fireworks Night daquele 5 de novembro, para fundamentar toda a ideologia do protagonista, o terrorista V.
Para mim o diferencial da história é exatamente o detalhe que o protagonista da graphic novel não é um herói, mas um terrorista, e apesar da empatia que temos pelo seu discurso e de acreditarmos que ele é o “mocinho” da trama, a realidade é exatamente outra.
V é um anarquista, ele quer derrubar o poder através do terrorismo e da insurreição popular caótica, nada de democracia, o lance é instaurar o caos. Seus motivos também são questionáveis uma vez que além de seu discurso político V traz abaixo da máscara de Fawkes uma vingança pessoal, ele não busca matar idéias, ele busca punir pessoas.
A nossa simpatia a causa anarquista é despertada a partir do momento que observamos o regime fascista contra o qual V luta, a liberdade é vigiada, a cultura censurada, os comandantes da nação são ditadores quase caricatos. Mas o que torna a idéia e o ideal propagados por V algo incomodo é que o governo a ser derrubado não é necessariamente o atrativo, mas a idéia de derrubá-lo sim, se analisarmos o potencial da obra como um panfleto, vemos que a nossa simpatia pela causa terrorista só reflete, na realidade, nosso descontentamento submisso com as grandes fontes de poder no mundo.
E.U.A, Coréia do Norte e mais da metade do mundo islâmico possuem regimes tão opressores, belicistas e injustos quanto a Inglaterra de V for Vendetta, e talvez por isso o triunfo final do terrorismo sobre o poder implantado seja tão edificante quando V conclui seu plano, é tudo um alivio, uma espécie de catarse que através da ficção adquire caráter de fuga da realidade.
Desculpem o post incompleto, durante a semana falarei mais sobre V, mais especificamente sobre o filme dos irmãos Wachowski .

É que existia a urgência afinal é 5 de novembro e algo deveria ser relembrado.

Royal Wedding - E pra começar... Uma noite de núpcias!

Viva a diversidade.
O post a seguir é a primeira colaboração aqui no Let There...., e espero que seja o primeiro de muitos.
Uma vez que música, cinema e literatura são assuntos inesgotáveis, é impossível conhecer tudo, mas sempre é possivel encontrar alguém que conheça um pouco de cada área específica. Quem tiver alguma coisa interessante pra falar em qualquer dessas áreas , estarei feliz em publicar aqui. O Texto que inaugura esse espaço é do grande amigo Romano e fala sobre um assunto que foge do meu domínio mas é ndispensavel para quem gosta de cinema: Os Musicais.
Grande abraço a todos.
Japa

Bom, não sou um grande entendedor de música, literatura e principalmente esporte – e muito menos cinema. Acho que me enquadro mais na categoria de um grande curioso; e por isso sei um pouco de muita coisa, mas não muita coisa sobre algo específico.

De qualquer modo há certas artes que estão esquecidas, e, como eterno saudosista, vou tentar lembrar de algumas obras que conheço um pouco melhor.

Há alguns dias estava mexendo no Youtube. Interessante mesmo foi o fato de encontrar vídeos dos antigos musicais, das décadas de 30, 40 e 50, uma época praticamente esquecida junto com o leão da MGM.

Tenho sempre a constante sensação nostálgica de que nunca mais haverá alguém que dance como Astaire, ou com a beleza de Audrey Hepburn. Nunca mais um filme vai ter duas cenas de sapateado tão marcantes e antológicas quanto “Royal Wedding” (“Núpcias Reais”), nem vai usar efeitos especiais mecânicos tão naturalmente quanto na dança pelas paredes de um Fred Astaire apaixonado.

Pois bem, todo esse nariz-de-cera, como chamamos em jornalismo, é para poder falar um pouco mais desse filme que me conquistou e que é considerado um marco e uma indicação obrigatória para os amantes dos antigos musicais.

“Royal Wedding” foi produzido em 1951 e a direção estava a cargo de Stanley Donen – que dirigiria os clássicos “Funny Face” (“Cinderela em Paris”) e “Singin’ in the Rain” (“Cantando na Chuva”), sendo este último em parceria com Gene Kelly. Os papéis principais eram de Fred Astaire e Jane Powell, e o roteiro quase se confunde com a vida de Fred. O filme conta a história de dois irmãos dançarinos (Tom e Ellen Bowen) – o grande sucesso da Broadway em 1947 – que são convidados a excursionar pela Inglaterra como parte das festividades do casamento da Princesa Elizabeth e do Duque Philip de Edimburgo. No entanto, a caminho do e no velho mundo o destino dos irmãos cruza com o amor.

O enredo é singelo e não passa de um romance com toques sutis e cativantes de humor, principalmente por parte de Keenan Wyn, um ator nova-iorquino que interpreta a dupla atrapalhada de empresários gêmeos dos Bowen. Mas a mágica do filme está na arte em que Astaire é mestre: dançar. A química que ele e Jane Powell demonstram em cena é impressionante, e quem conhece o trabalho de Fred, sabe que aquilo é fruto de horas de ensaio por dia. A voz agradável e o rosto adorável de Powell também argumentam a favor de “Royal Wedding”.

Porém, como citado, há duas cenas que tornam essa produção antológica: Fred Astaire dançando com um cabideiro na sala de ginástica do navio e, já na Inglaterra, a dança pelas paredes e pelo teto de um hotel de Londres.

Para quem gosta de um filme light, para quem gosta de musicais, para quem gosta de ouvir “You’re All the World to Me” e pensar no seu romantismo feliz, para quem não espera um roteiro comprometido, e principalmente para quem admira um gênio (Astaire) sendo o mestre em sua arte (dança), “Royal Wedding” com certeza é um programa obrigatório.

Texto: Luiz Romano Locali

Filmografia e Créditos Aqui

Cat Stevens

I listen to the wind to the wind of my soul Where I'll end up well I think, only God really knows I've sat upon the setting sun But never, never never never I never wanted water once No, never, never, never I listen to my words but they fall far below I let my music take me where my heart wants to go I swam upon the devil's lake But never, never never never I'll never make the same mistake No, never, never, never

The Wind - Cat Stevens

Acredito que independente de torres sendo derrubadas por aviões e terroristas se explodindo ao redor do mundo, Alá é muito mais inteligente que seus seguidores mais radicais. Os grandes atentados ao mundo ocidental e ao American Way of Life começaram muito antes do fatídico 11 de setembro ou das entradas desastrosas de Bush pai na Guerra do Golfo e Bush filho no Afeganistão, como medida preventiva, a força do Islamismo atacava nossa tão frágil e dependente cultura consumista mexendo com nossa idolatria, nos dando bezerros de ouro e depois nos punindo pelo fato de tê-los adorado. Calma eu explico.

Cat Stevens e Cassius Clay depois de terem imobilizado o mundo e as câmeras ao redor de música transpirante e punhos imbatíveis se converteram ao islamismo e abandonaram a mídia deixando órfãos uma geração confusa que nem sabia pra que lado ficava Meca.

Steven Demetre Georgiou, filho de pai Grego e mãe Sueca, nascido na Inglaterra, não foi um guitar hero como Jimmy page, não foi uma voz marcante como a de Cash, nem teve o brilho de compositor de Lennon e Macartney, mas acabou conquistando dois terços do mundo civilizado com sua música singela e apaixonante, quase que irresistível .

Pelo pouco que me lembro das minhas aulas de catequese um dos maiores profetas bíblicos, Abraão, era gago e talvez seja isso que impulsiona os desacreditados, a superação. Assim como Cassius Clay lutou 12 assaltos com o maxilar quebrado contra Ken Norton e venceu, Cat Stevens abriu o mar vermelho da América com um violão ao lançar Tea for the Tillerman (1970), e conquistar o país do Tio Sam com composições simples e belas como Wild World, Father and Son e Sad Lisa, em um momento em que a musica vivia uma reviravolta com o fim dos Beatles e com o surgimento de tubarões como Pink Floyd e Led Zeppelin.

Analisando sua música e sua discografia é fácil entender porque Cat Stevens conquistou a todos .Suas composições transbordavam vida e mesmo as mais tristes traziam uma mensagem de esperança. Father and Son é uma das homenagens mais emocionantes registradas em forma de música talvez só comparada em solo tupiniquim à ótima “O Filho que eu quero Ter” de Vinicius e Toquinho (não vou nem citar a cópia mal feita do Fábio Junior que parece uma marchinha de carnaval). Wild World é deliciosa com seu violão inconfundível, Peace Train música gravada contra a Guerra no Iraque, parecia uma profecia para que tudo parasse antes do pior e por fim uma pérola pouco lembrada mas que para mim é uma de suas melhores músicas, The Wind, que já previa um possível chamado no fundo da alma a algo maior na vida do cantor. Não consigo imaginar alguém que soe parecido com Cat, talvez se Simon and Garfunkel fossem um, ou ainda talvez seja mais fácil descrevê-lo através de imagens como em Morning has Broken,

“ Uma manhã que rompe , como se fosse a primeira das manhãs. Ou um melro que canta como se fosse o primeiro dos pássaros....”

Yussuf Islam, o nome que adotou após ter se convertido ao islamismo e abandonado o mundo da música em 1978, foi o maior atentado terrorista cultural que eu presenciei, não foi assassinado, ou teve uma overdose, tão pouco se suicidou, apenas nos abandonou por uma causa. E isso que dói.

Discografia Aqui

Velvet Underground e seus Rótulos

I don't know just where I'm going
But I'm gonna try for the kingdom if I can
'Cause it makes me feel like I'm a man
When I put a spike into my vein
Then I tell you things aren't quite the same
When I'm rushing on my run
And I feel just like Jesus' son
And I guess that I just don't know

Heroin - In Velvet Underground and Nico...

Rótulos.

Muitas bandas se tornam atemporais e transcendem o tempo e o espaço graças aos rótulos. E infelizmente o Velvet Underground é assim. A musicalidade inexplicável do grupo nascido nos subúrbios de Nova York é muito mais que o grande rótulo que se tornou. A banda carrega para si o duro fardo de conter em sua formação virtuosismos dispares e loucos como o de Lou Reed( voz e guitarra) e John Cale(baixo,piano e violoncelo), totalmente incompreensíveis para seu tempo, os músicos iniciaram um processo autodestrutivo que rompia com os padrões convencionais de som, e depois de ser um fracasso em sua época o Velvet só foi ser “compreendido” anos depois.

O remorso de toda a crítica musical e boa parte da elite intelectual da época, que ignoraram o VU e a geração beat, foi fundamental para a criação dos rótulos que hoje saem redondo das bocas de qualquer pessoa com um conhecimento musical razoável. Todos dirão que a banda nova-iorquina foi um dos grupos mais criativos da história, que ele inventou o rock alternativo e influenciou Nirvana e quase toda produção decente da década de 90, que o som da banda é “experimental” e de difícil compreensão.

Sinceramente ? Para mim O Velvet é muito mais que isso. Ele é o retrato de uma geração que não existe mais e por isso é tão idolatrado. Acredito que poucos, bem poucos escutam e sentem de verdade o que a banda representa, a maioria vai no oba-oba e diz que nunca ouviu nada igual. O VU é mais que somente musica ele envolve nomes como Andy Warholl, Burroughs e Kerouac e toda mítica ao redor da Factory.

A Factory ou A Fabrica era um “retiro” de artistas onde prostitutas, drogados, poetas, atores,cineastas falidos e músicos se reuniam sob a tutela de Warholl, entre orgias e muita droga o resultado obtido nos limites da percepção era convertido em literatura,teatro,cinema e música.

Formado por Lou Reed,John Cale, Sterling Morrison e Moe Tucker, o V.U. era uma reunião da nata do lixo de Nova York que se escondia nos escombros da Factory, e enquanto as biografias tratam de representar os músicos como gênios, prefiro visualiza-los como poetas malditos subversivamente geniais, a modelo Nico que participou do primeiro e mais importante disco da banda é sempre tratada como uma imposição de Warhol para que o disco saísse, pela sua voz incontestavelmente autêntica e diferenciada. Porque ninguém fala que ela transava com o Warhol, com o Reed, com o Cale e com metade da factory ? Porque todo mundo fala a “modelo” e não a puta ?

Existe muito mais subversão sobre o Veludo. Reed e Cale eram egos inflamados que discutiam de tudo, do direcionamento da banda, até o existencialismo metafísico. Se respeitavam, mas o Velvet era pequeno demais para os dois, um dos motivos que causou a queda de qualidade dos discos da banda e seu fim.

Entre outras injustiças ou justiças forçosas está o mito da genialidade da carreira da banda. O primeiro disco que possuía a capa pintada por Andy Warhol e trazia uma banana em fundo branco, realmente é um dos melhores álbuns da historia do rock, mas os três discos seguintes apesar das inovações e do experimentalismo não amarram o cadarço do primeiro.

Alguns hinos atemporais como Venus in Furs, Heroin e Femme Fatale só reforçam as teorias sobre a musicalidade incontestavel dos "beats" da Factory, mas o maior prazer é ouvi-los como quem acaba de abrir um cd cheirando a novo de uma banda desconhecida.

Esqueça o Nirvana, o Wilco, o Echo and The Bunnymen e escute uma vez Velvet apenas como Velvet. É inegável o fato que a banda influenciou e muito o rock, mas a gênese é diferente do legado.

Leia o rótulo, mas curta o sabor.

Discografia

Seguridad Social

O rock já foi mais romântico. E quando eu falo de romantismo, não digo no aspecto sentimental da coisa. Falo no romantismo das novelas de cavalaria, dos épicos, dos grandes movimentos; que no rock se traduzia através de guitar heroes morrendo de overdose e saindo da vida para entrar para a historia, a construção do rock´n´roll foi feita a partir de almas, de Woodstocks, de LSD e principalmente atitude. Quando Hendrix tocava nos dentes sua guitarra isso era alma, quando os Beatles se trancaram para gravar Helter Skelter absolutamente drogados e saíram do estúdio com uma versão de 21 minutos da música isso era rock. Nem grandes movimentos temos mais. O último romântico a morrer no mundo do rock foi o grunge, e depois do punk foi só arremedo. Brit pop, indie rock, e derivados são mais conceitos que movimentos, mais técnica que atitude.Não estou falando de qualidade e apuro musical e sim de sangue, de desejo, de paixão. Emocore é o resto do resto, o punk que não deu certo.
Por isso que quando eu vejo Wish You Were Here sendo tocado quase que sem solo, numa pegada reggae quase que desconfortável eu sinto que pequenos lapsos de ousadia ainda existem no rock, como suspiros fora de época. O grupo Seguridad Social, nasceu na Espanha mas traz em seu DNA uma herança punk, que as vezes aparece nas músicas calculadamente cruas, nos vocais que falham e desafinam de forma proposital e na atitude.
Confesso ainda estar digerindo o estilo, algumas características fogem do punk convencional com solos trabalhados, overdubs caprichados e um trabalho de power trio que lembra o hard rock. Em outros momentos o rock acelera para um vocal rap, com a mesma facilidade que as guitarras ficam lentas e lembram os arranjos de Bi Ribeiro e Herbert Vianna no início dos Paralamas. Em certos momentos a confusão é tamanha que você sente até o ritmo flamenco na guitarra do Seguridad, mais espanhol impossível.
Confira porque é assim que soa o bom rock, com mais perguntas que respostas e dessa vez com o charme latino.

DISCOGRAFIA

Cães de Aluguel - Quentin Tarantino

Você já viu um cão de aluguel ?

Acredito que muito da proposta de Tarantino para seu debute na história do cinema já começou no momento da escolha do nome. Reservoir Dogs.

O cão é tido como símbolo de fidelidade, de honra de dedicação ao seu senhor, e assim sendo, não é possível que exista um “cão de aluguel”. Um cão só guarda uma casa, protege seu dono e abana o rabo feliz pela relação direta de amor e servidão que tem para com seu dono, algo que não pode ser vendido, tão pouco alugado. O roteiro todo gira em torno de fidelidade, confiança e desconfiança, relações entre os “cães” e seus “donos”.

Joe Cabot, é o dono do canil, que contrata para um grande roubo de diamantes seis homens que não sabem nada um sobre o outro. Só ele conhece seus cães. Não existe o falso moralismo piegas de que o roubo será um trabalho de equipe e a confiança é fundamental. O que existe é um retrato fiel das relações marginais.

Os contratados não possuem nomes, são tratados por cores. Mr. Pink, Mr. White, Mr. Orange e assim por diante, são desencorajados a ter conversas pessoais que possam em um possível fracasso comprometer o resto do bando. É nessa tênue linha de confiança que a tensão surge. O assalto falha, um dos homens é ferido, alguém é o traidor e tudo se afunila
com o encontro dos cães em um galpão, onde decisões devem ser tomadas enquanto um deles morre.

O resto é Tarantino em estado bruto. Diálogos inverossímeis de tão bem planejados, como a discussão de Like a Virgin em uma mesa de café, ou ainda os ternos e óculos estilizados dos protagonistas. Tudo é referência, tudo é cultura pop.

A trilha sonora é boa até mesmo quando serve de pano de fundo para mutilações e torturas. A violência está sempre presente, mesmo que de forma implícita, todo revolver que é sacado durante o filme descarrega uma saraivada de balas, mesmo que só uma acerte. Sempre existe a possibilidade de alguém atirar em alguém, de uma orelha ser arrancada, de alguém morrer de tanto sangrar ou de pares de 49 serem sacados sem motivo aparente.

O ar durante o filme parece rarefeito, uma vez que a maior parte das filmagens se passaram em um galpão; uma alternativa inteligente para quem tinha um orçamento enxuto e não podia desperdiçá-lo.

A narrativa segue a sacada que Akira Kurosawa teve em Rashômon(1950) onde um mesmo fato é contado a partir de pontos de vista diferentes.

Cães de Aluguel, foi o filme responsável por Tarantineizar Tarantino. No segundo filme do diretor, Pulp Fiction que logo receberá um post, todos já falavam em diálogos a lá Tarantino, violência aos moldes de Tarantino, cinismo e inserções de cultura pop com o estilo de Tarantino, agora me responda, quantos diretores conseguem estabelecer uma marca com 2 filmes ? Alguns passam a vida toda e dezenas de filmes sem que ninguém reconheça o diferencial por trás das câmeras .

Em uma definição genérica, um filme de macho com cérebro, portanto não assista com a namorada. Assista com um bom whisky e filosofe sobre Tarantino e as relações sociais...





Mr Pink And Like a Virgin Aqui

Filmografia de Quentin tarantino Aqui

Rock Latino

Essa semana tenho me dedicado a experimentar rock latino e tive gratas surpresas.
Grupos como Seguridad Social, Los Piojos e Presuntos Implicados chegaram até mim através do blog Control Painel, visitem e confiram , os álbuns estão lá para download. Os créditos ficam por conta do grande colaborador Mauro, que com enorme paciência vem upando diversos álbuns e disponibilizando-os para download.
Outras duas bandas que andei ouvindo e são muito boas são Café Tacvba e La Oreja de Van Gogh, alternativas para quem cansou dos mexicanos do Maná ou do pop do argentino Fito Paez.
Os textos sobre música serão postados em parceria com o Control Painel, por isso o Let There Be More Light se concentrará mais em cinema e literatura.
Visitem o blog Control Painel clicando aqui.
Para quem curte textos de qualidade sobre rock visite também o Rock´n´Roll Bar, do grande amigo Alexandre Azank.
Un gran abrazo a todos.

The Dreamers - Bernardo Bertolucci

Sexo, Política, Revolução, Irmãos em um triângulo amoroso e claro diálogos sobre rock e cinema...

-Clapton's God, Matthew.
- I don't believe in God. But if I did... he would be a black,left-handed guitarist.
- This is not Chaplin and Keaton. This is Clapton and Hendrix.
- Matthew, Clapton reinventedthe electric guitar.
- [Muttering, Laughing]- Matthew, believe me.
- Clapton plugs in a guitar...
-He plugs in an electric guitar,and he plays it like an acoustic guitar. Hendrix plugs in an electric guitar, and plays with his teeth. [Screeching]


Finalmente. Depois de alguns bons meses sofrendo com a burrocracia(sim com dois erres) desse Brasilzão de meu Deus conseguimos ressuscitar o cineclube Unesp.

A primeira sessão, que será terça feira dia dez ,terá inicio as 16 hs e nada mais justo que abrir a programação com uma homenagem a todos os amantes da sétima arte.

Os Sonhadores traz sobre a lente ousada de Bernardo Bertolucci uma série de citações a diversos ícones do cinema, de Bande A`Part (de Godard) a Scarface.

A relação entre os irmãos Théo e Isabelle é uma das sacadas que deixa o filme irresistível. O estudante de intercambio Matthew cai no meio dessa relação e logo é posto em um vórtice que envolve “cinefilia”, sexo e revolução.A câmera do italiano nunca esteve tão atual, abusando de edições rápidas, cores vibrantes e uma nudez explicita e crua que nas mãos erradas certamente seria vulgar. A grande sacada do erotismo do filme não é a beleza contagiante de Eva Green e nem seu nu frontal de tirar o fôlego, estamos falando de requinte, de sensações não explicitas que mexem mais que a imagem. As paredes de Os Sonhadores são a grande sacada.


Ao colocar três jovens sobre o mesmo teto, dividindo a mesma banheira, ou a mesma barraca Bertolucci mostra que o ambiente é tudo. As cores quentes e vivas e a tensão sexual que se instalam no quarto de Theo são totalmente opostas as cores opacas e quase frias e a sexualidade reprimida e animal de O Último Tango em Paris. Somente as paredes são iguais. Elas te dão a sensação de ser intruso em um quarto que não é seu, em diálogos tão íntimos que você não poderia estar ouvindo.

A cena da manteiga de O Último Tango em Paris pode ser comparada a cena em que Theo frita ovos enquanto Matthew e Isabelle transam, um naturalismo que incomoda o mais liberal e enfarta os conservadores.

Correndo por fora ainda existem os diálogos que parecem fugidos do nosso dia-a-dia, delicioso ver a discussão entre Matthew e Théo sobre quem é melhor Clapton ou Hendrix.

Bertolucci foi um dos cineastas injustiçados por ser um subversor agraciado com 9 Oscars por seu trabalho mais acadêmico, O Último Imperador.

Não se engane, assista Os Sonhadores, não perca O Último Tango em Paris e você nunca mais fritará um ovo na manteiga sem sentir um arrepio.

Filmografia clique aqui

Kubrick em Cinco Passos

Sabe o best of que reúne sempre em um cd as supostas melhores músicas de um cantor ou banda ?
Bom a série “Diretor em Cinco Passos” tentará fazer isso. Mostrar em cinco filmes o indispensável da filmografia de grandes diretores. Como em qualquer Best of... muitas injustiças serão cometidas e nem todas grandes obras entrarão nessa seleção. Quem quiser pode consultar a filmografia no fim do post e ir atrás dos injustiçados por esse que vos fala.

Stanley Kubrick

Nascido: 26 de julho de 1928, New York, NY
Faleceu: 07 de fevereiro de 1999, London, UK

Um diretor impossível de ser descrito com frases comuns, convencionais. Assim como seu cinema dizia muito, de forma às vezes subjetiva, abstrata, mas sempre coerente, tentarei utilizar cenas de seus filmes para compor seu perfil como diretor, ou ficaremos o dia inteiro aqui descrevendo esse gênio.

Filme: Lolita – Cena – Humbert chega ao jardim e se depara com Dolores Haze ao sol com um maio. Baseado na obra de Nabukov, o roteiro todo mundo conhece. Adaptação a altura da obra original. Uma lição de enquadramento, direção e técnica. Quando Humbert chega ao jardim o filme começa a transbordar sensualidade, sem em nenhum momento mostrar a ninfeta titulo desnuda o diretor mexe com cada poro do macho espectador. O sexo e a subversão fica por sua conta. Subliminar, quente e quase erótico, mas só na sua cabeça. Se a censura soubesse....

Filme: Dr. Fantástico - Cena – Bombas caem enquanto uma marcha é assoviada diante do olhar displicente de soldados em um avião – Cinema frio e denso. Calculista e maquiavélico. Um humor negro, caústico e quase diabólico faz com que Kubrick mexa exatamente nas feridas mais abertas da sociedade, da sexualidade reprimida pela censura em Lolita, até essa critica incisiva ao comportamento belicista de seu país. O amor do homem pela guerra se torna uma deliciosa comédia que traz ironia até no nome orinal Dr. Strangelove, ou Doutor Estranhoamor, satirizando a paixão do mesmo pelas bombas. Mais uma vez a nossa central brasileira de “aportuguesamento e inteligência” traduziu errado e o filme virou Dr. Fantástico.

Filme:2001 – Uma Odisséia no Espaço – Cena – Valsa no Espaço com naves–
Icônico ? Metafórico ?Existencialista ? Sim tudo isso, até a critica ficou confusa e não soube o que dizer na época. Só depois que o filme virou base para os próximos 30 anos de produção cinematográfica na área de Ficção Cientifica em efeitos especiais e conceituação é que a critica elevou o filme ao patamar de clássico e obra prima. Tem muito pseudo intelectual que não sabe até hoje o que é o filme preferindo a resposta genérica que se trata de uma metáfora sobre a evolução humana e a busca pela verdade através do monólito negro, que contém o segredo da criação. Isso até o macaco do começo sabe.

Filme: Laranja Mecânica - Cena – Estupro de uma mulher e espancamento de um cidadão ao som de Singing in The Rain: Subversivo sim, omisso nunca. Laranja Mecânica é uma critica a degradação da sociedade, com ultraviolencia ao som de Beethoven e uma fotografia impecável o filme não esconde atrás dos cortes a realidade, um estupro é um estupro dentro ou fora do cinema. Cada detalhe é escolhido, do cenário a música. A cultura de elite que entenda como quiser, eu captei a mensagem. E você ?

Link para o download da ótima trilha sonora do filme aqui

O Iluminado – Cena – Jack Nicholson com um machado arrebenta a porta para alcançar uma criança e uma mulher em um hotel isolado no meio do nada.
O último ponto a ser comentado sobre a direção de Kubrick é seu domínio do elenco. Seu perfeccionismo exigia que as cenas fossem filmadas 20, 30 ou 50 vezes até a que atingissem o resultado esperado. O thriller baseado na obra de Stephen King prende a respiração. Gêmeas mortas em corredores, um menino que fala com o próprio dedo e um pai que quer trucidar a família com um machado ganham requinte nas interpretações arrancadas com maestria pelo diretor.

B Sides –
Nascido para Matar - Cena 1 – Soldados americanos “passeiam” pelo Vietnam ao som de The Bird do Ramones.
Cena 2 - Grupo de soldados americanos é emboscado por uma atiradora de elite vietnamita.

1. Fear and desire (1953)

2. A morte passou por perto (1955)

3. O grande golpe (1956)

4. Glória feita de sangue (1957)

5. Spartacus (1960)

6. Lolita (1962)

7. Doutor Fantástico (1964)

8. 2001- Uma Odisséia no Espaço (1968)

9. Laranja mecânica (1971)

10. Barry Lyndon" (1975)

11. O iluminado" (1980)

12. Nascido para matar (1987)

13. Eyes wide shut (1999)

Lost and The Kite Runner

Previously on Lost.......

O que dizer sobre Lost ?
Indiscutivelmente um produto de mass media, feito em cima de clichês e baseado em um roteiro duvidoso. Um avião cai em uma ilha que além do ambiente paradisíaco tem escotilhas, ursos polares, cientistas, um predador misterioso e muitas coisas estranhas.
Os personagens são previsíveis . Na verdade previsivelmente encantadores. Todos com uma história de superação digna da novela das oito. Mas quer saber ?
O que há de mal nisso ?










"A Tiger never changes it´s stripes..."
Sawyer um anti-heroi clássico, quase caricato, mas impossível não torcer pro cara.




Decidi dar espaço nesse blog ao vicio chamado Lost. Depois de assistir aos 24 episódios da segunda temporada em menos de cinco dias, engoli o orgulho e em vez de postar algo sobre filmes que quase ninguém vê e livros que ninguém lê, decidi chutar a aura cult no saco. Sim porque existe uma falsa aura, um falso intelectualismo que diz que quem gosta de filme europeu não pode gostar de blockbuster, quem lê Eco não pode ler as tirinhas do Calvin, quem ouve Belle and Sebastian não pode ouvir Ramones. Um preconceito como qualquer outro e as vezes me bate um espírito revolucionário de mandar tudo a merda.
Sim eu gosto da trilogia das cores do Krzystof Kieslowski, e do mesmo jeito eu gosto de Lost. A diferença entre apreciar um bom vinho e uma boa cerveja não faz com que eu pare de beber um ou outro.
A receita de Lost é impecável, assim como sua produção. Um enredo simples, porém curioso, personagens quase caricatos mas infalíveis: o herói bonzinho, o anti-herói apaixonante, a mocinha sofredora, o sábio misterioso, todos eles interligados pela trama de redenção, sangue e lagrimas e nós os espectadores caindo como patinhos. Tudo no script.
Da mesma forma gostaria de abrir espaço para o ótimo livro “ The Kite Runner” de Khaled Hosseini. O livro traduzido para nós como “O Caçador de Pipas” é o chamado livro do momento, aquele que todo mundo lê porque todo mundo está lendo. E surpreendentemente a deliciosa leitura do livro não perde em conteúdo e se mostra um agradável passeio sobre a cultura do Afeganistão e sobretudo um olhar curioso sobre os relacionamentos familiares, a honra e a amizade. A força das personagens e das situações garantem uma leitura fácil, e apesar de previsível, o livro não se perde em demagogia política barata, nem na morosidade de Virginia Wolf ou no chove e não molha de Eça de Queiroz. Obviamente que não quero aqui comparar monstros sagrados da literatura com autores pré-fabricados por um Best Seller, mas simplesmente não consigo ler Rumo ao Farol até o fim e muito menos simpatizar por Os Maias ou O Primo Basílio terem quinhentas páginas de tédio cada, enquanto O Caçador de Pipas me garantiu um bom final de semana de leitura.
Olhos abertos pois o livro está sendo adaptado para o cinema por Sam Mendes, diretor de Beleza Americana.
Não esperem nos próximos posts análises sobre as letras do Calipso ou discussões sobre as personagens de Manoel Carlos em Páginas da Vida, que isso daqui não é a casa da mãe joana e “cultura” de massa tem limite.....

Walk The Line

"Well, you wonder why I always dress in black,Why you never see bright colors on my back,And why does my appearance seem to have a somber tone.Well, there's a reason for the things that I have on." Johnny Cash - Man in Black

Se música fosse poesia o Cash era Byroniano, daria a mão pro Alvarez de Azevedo e ia musicar a Lira dos Vinte Anos, não pela forma, mas pelo conceito. No Romantismo o Alvarez de Azevedo é da terceira geração não por acaso, mas porque antes dele duas gerações foram aperfeiçoadas na arte do sofrer, só que os outros disfarçavam melhor, uns falando de índios outros falando da infância e de escravos. Por isso o Azevedo era o cara, a dor de corno dele foi a maior de todas,e ele não escondia isso, era tão grande que ele queria morrer . E conseguiu. O cara já era tuberculoso e ainda caiu do cavalo pra morrer de tumor . Quem escreve Lira dos Vinte Anos está no estágio zero da dor de amor, o estágio mais irracional, que termina em homicídio, suicídio ou nos dois. E o Cash passou perto, já tava largado e viciado, falido e na sarjeta, quando foi salvo pelo seu amor. Uma fábula urbana que durou até 2002. Cash não foi um guitar hero, mas sim o mais romântico herói do rock.

Quem não conhece a história deve assistir Walk the Line, traduzido por nossa central de inteligência brasileira como Johnny e June, o filme não chega a ser uma obra de arte, mas é fiel ao homem de preto. Joaquin Phoenix ganhou meu respeito por cantar durante todo o filme e mesmo assim não perder o compasso ao tentar atingir o tom de uma das vozes mais inconfundíveis do rock . Reese Witerspoon, não canta nem parecido com a June Carter, mas o desempenho para a atriz de bombas como Legalmente Loira, foi surpreendente. O Oscar exagerado.
Se se morre de amor ? Sim se morre . Foda-se o Gonçalvez Dias, ele tava errado. Olha o Cash
Depois de vinte anos de sofrimento para conseguir um pouco de poesia Johnny realmente “andou na linha” e após se casar com June Carter, seu grande amor, viveu com ela até a morte. Ela morreu e quatro meses depois ele morreu. O médico pode falar o que quiser, que foi diabetes ou a tal Síndrome de Shy-Dragger, mas o cara morreu de amor.
Vale a pena conferir o filme e a discografia . Rock de primeira qualidade com uma pegada country e um vocal poderoso e inconfundível.

Corpo-a-Corpo com a Vida - João Antônio

" Escrever é sangrar. Sempre desde a Biblia. Se não sangra, é escrever ?
Em tempo, esquecer as épocas, as modas, as escolas, as ondas, os "ismos". Notar: Cervantes, Dostoievski, Balzac. Corpos-s-corpos com a vida e fundamentalmente. O resto foi arremedo.
Ou muita vez nem isso."


João Antonio - Corpo-a-Corpo com a Vida
in Malhação do Judas Carioca







Me desculpe o Bandeira e sua Lírica mas preciso dela para esse post.
Estou farto do jornalismo comedido, do jornalismo bem comportado, do jornalismo funcionário com dead line, número de caracteres e manifestações de apreço ao senhor editor . Estou farto do jornalismo que pára e vai averiguar no dicionário para utilizar palavras que o cidadão médio não vai entender, vernáculo ou vocábulo. Estou farto do “jornalismo-computador”, imóvel, tetraplégico, cancerígeno. De todo jornalismo que se pré- produz como uma linha de montagem.
É resto, é o não-jornalismo, com pré-diagramação e receita pronta de como enganar o público leitor.
Quero antes o jornalismo das ruas, dos bares, dos bêbados, o jornalismo difícil e pungente do corpo-a-corpo com a vida, o jornalismo de viradores como João Antonio.
Não quero saber de jornalismo que não seja sangue.

Post de pura revolta que se inflama a cada segunda-feira . Nenhuma matéria tem se revelado pior que Jornalismo Impresso III. Escrever sobre temas esparsos e projetos sem utilidade pública imediata aparente tem me desmotivado em relação ao curso, pesquisas que só tem importância no ambiente acadêmico, e que mesmo assim não serão divulgadas, me dão a sensação de estar escrevendo somente para obter uma falsa prática em lead e diagramação, uma desculpa para justificar 4 créditos no final do semestre; me sinto enganado ao ver que querem me tornar bacharel em receitas de matérias pré-fabricadas, que o professor insiste em endossar com entrevistas ao corpo docente e a alunos da própria faculdade. A vontade que eu tenho é de entrevistar minha mãe sobre uma receita de bolo e jogar tudo na diagramação que o Luciano irá pré-definir pra sair em uma revista que só eu e mais cinqüenta colegas receberão.
Escrever para mim não é isso. Meu texto só flui quando sangra, quando a matéria parece querer nascer prematura, quando as palavras saltam para ver a luz da publicação.
Vejo hoje o jornalismo com certo ceticismo.
Vejo que o sangue que eu busco, o Corpo-a-Corpo com a Vida da crônica e da literatura de João Antonio está morrendo na profissão e sendo substituído por jornalistas burocratas, jornalistas computadores, jornalistas fordistas, vejo a lança varar o lado esquerdo do peito da informação e só sair água . Vejo cada vez mais em nosso meio frustração, jornalista falando como intelectual, e intelectual fingindo ser jornalista. “Escrever é sangrar...” não quero mais que confundam as coisas, tem muita gente sangrando sangue azul de três gerações de tradição e realeza. Quero o jornalismo vingança, com motivo e veracidade, passional como um suicida e cheio de sangue vermelho nas veias.

A Insustentável Leveza do Ser - The Unbearable Lightness of Being

“


"Na poesia amorosa de todos os séculos, porém, a mulher deseja receber o peso do corpo masculino. O fardo mais pesado é, portanto, ao mesmo tempo a imagem da mais intensa realização vital...”

"...Então o que escolher ?
O peso ou a leveza ?..."



O best-seller de Milan Kundera que todo mundo leu na década de 80 é para as feministas o livro negro da literatura. Assim como a Hotel Califórnia do Eagles é considerada falsamente um hino do demo em primeira pessoa, A Insustentável Leveza do Ser ganhou para si um estigma, uma chaga. No brado das feministas o livro era uma aberração. Para elas Tomas é o anticristo personificado em forma de um símbolo fálico infiel que faz Hitler, Mao Tsé Tung e Hussein parecerem monges trapistas.
Para mim é exatamente o contrário. As personagens femininas do livro são a essência da alma da mulher. Sabina e Tereza são completas, complexas, inteligentes e extremamente femininas. São a insustentável leveza. Independente da descrição de Kundera, imagino Tereza como Hepburn e Sabina como Rita Heyworth em cabelos curtos, e nada irá tirar essa idéia de perfeição da minha cabeça .Nada mais forte que o chapéu coco e a personalidade de Sabina, nada mais apaixonante que a dependência e a resignação de Tereza. Tomas é apenas um boneco nos braços das mulheres do livro, preso e cheio de remorsos pelas suas infidelidades, no fim não é o homem que vence e sim a mulher. A mulher no seu princípio mais puro, a mulher de Vinicius de Moraes, “....a mulher com um molejo de amor machucado, uma beleza que vem da tristeza de se saber mulher, feita apenas para amar, para sofrer pelo seu amor e ser só perdão.” Esse post é uma homenagem a todas as mulheres que fazem a vida de nós homens mais complicada e infinitamente mais completa. E por favor parem com essa história de feminismo e de igualdade. A mulher é extremamente superior ao homem, basta ela perceber isso. O feminismo destrói a feminilidade.

Samba da Benção - Vinicius de Moraes

Caro Leitor, agora que as regras do jogo estão postas darei algumas informações sobre seu personagem recém adquirido em forma de blog.
Sou, Brasileiro, solteiro, 24 anos, branco, jornalista.
Quem quiser me entender precisa saber que prefiro a guitarra de Clapton à de Hendrix, a beleza de Audrey Hepburn à de Marylin Monroe. Que sou azarado e tenho um pouco da maldição dos Buendia de Gabriel Garcia Márquez. Que amo música e odeio pagode. Corinthiano, maloqueiro e sofredor no coração.
Beatlemaniaco, cinéfilo, Lennon e Kubrick. Ouvinte atento de vozes urbanas como Chico Buarque e Oswaldo Montenegro, de oráculos como Raul Seixas.
Amo sempre a mulher certa na hora errada. Sempre. E isso parece que não vai mudar tão cedo.
É aqui que entra o Samba da Benção.
Coisas em que eu não acredito: sorte, um mundo mais justo e pagode bom. Não existe pagode bom, mas o que muitos confundem com esse tipo execrável de música é o samba.
O samba é uma bossa embalada, com uma ponta de dor e uma alegria fingida e despretensiosa. Todo mundo que ouvir com calma um cara como o Vinicius, nosso poetinha, vai perceber como o samba é puro e diferente de qualquer outro ritmo. Uma cachaça envelhecida em um barril mágico.
Todo mundo tem um pouco de bossa e samba na vida, um sentimento ferido e machucado que impede a banalidade do existir. Imagine como seria banal ser feliz. Não ter nada para lutar ou almejar, seres perfeitos sem espada ou escudo, sem guerra, sem paixão, sem morte e conseqüentemente sem vida.
O que traz graça a nossa vida é a vitória, é poder trepudiar em cima do derrotado, é o gosto da superação, é sofrer com a derrota e aprender com ela. É a vida movida a total flex por paixão e ódio. Se quisesse uma vida igual a de uma samambaia conquistaria somente as mulheres fáceis e lutaria somente as batalhas que a vitória é certa, como não sou assim, fico como estou, querendo um dia ter mais dinheiro do que eu possa gastar, desejando sempre a mulher que eu não posso ter, continuarei amando até o fim meus amigos e odiando meus inimigos, desejando o bem de poucos e a desgraça de muitos. Não nasci para o pagode, nasci para o samba e o mestre Vinicius já dizia ...
Pra fazer um samba é preciso um bocado de tristeza.....

Let There Be More Light

Let There Be More Light...
Não encontrei um nome melhor para esse blog. Além de ser o nome de uma música do Pink Floyd é esse o propósito disso aqui.
Enlightment. Através do cinema, da música e da literatura pretendo fazer desse espaço um canto para todos aqueles que curtem de verdade falar sobre o assunto. Não espere democracia, o blog é meu, a opinião é minha o objetivo é gerar a discussão.
Vou tentar não entediar ninguém enquanto falo da minha vida por isso sempre vou colocar como tema uma música, um livro ou um filme para postar ...bom por enquanto é isso.